El TABU Y LA REALIDAD DE TATOO Y PIERCING

Desde bien antiguo, el hombre y la mujer han decorado su cuerpo con la introducción de varios objetos en las partes visibles del cuerpo o con la inserción de pigmentos bajo la piel. Así, todavía es común ver en algunas tribus africanas como se hacen pequeñas incisiones a la cara, se atraviesan los lóbulos de la oreja con colmillos e ’animales o se agujerean los pezones o el labio para colgarse aros. Estas prácticas sirven para identificar el grupo, y a la vez diferenciarlo de otro, o para distinguir y clasificar a ciertos individuos de la tribu según el rango o la función que realizan dentro de la comunidad. Generalmente, estas decoraciones corporales van asociadas a prácticas rituales dirigidas por el chamán de la tribu. 

Los piercings y los tatuajes tienen en común que rompen la barrera de protección natural del cuerpo humano, compuesta por la piel y las mucosas. En esta sociedad en la que vivimos es considerado como un tabú y he ahí donde se muestra falta de conocimientos cuando hablamos del arte ya que todo esto forma parte de la transculturación que se ha ido dando a lo largo de la historia.

HENRRY GONZALES Quien es el propietario legal de SHULTON INK(TATOO ART STUDIO) y quien con su conocimientos nos habla de que representa para él el trabajo de este tipo de arte. En el caso de los tatuajes encierra muchas expectativa de la vida de una persona es una arte que no cualquiera tiene la capacidad o mejor dicho la habilidad de diseñarlo porque es una responsabilidad del que lo hace como el que lo lleva en su piel.

Gonzales comenzó con su proyecto del estudio oficialmente y legal desde hace 4 años teniendo los permisos puesto en la entrada de lugar para que las autoridades sepan de la legalidad y no hayan ningún problema así las personas tengan confianza al quererse tatuar.

Estando fuera del país fue donde él fue aprendiendo ya que querer tatuar no es nada fácil tienes que aprender a hacer creativo, dibujar con tu mente y así diseñar los bocetos es un gran trabajo para el aprendiz si quiere llegar más haya.

Regresando al país decidió comenzar el proyecto de SHULTON INK porque para él es como una profesión más el cual le ha dado resultados positivos ya que los clientes se van satisfechos con el trabajo que realiza.

Dicen que no hay tatuador sin tatuajes en su cuerpo y es verdad porque si te gusta tatuar te gusta tatuarte expresarte también significados que siempre los llevaras contigo. Y es como una adicción donde te hace uno y quieres seguirte manchando la piel pero en mi caso no me he manchado mucho.

Tener un tatuaje tampoco influye mucho porque realmente es un dibujo siempre habrá persona que lo vean desde un punto de vista diferente que ser tatuador o andar tatuaje te hace ver diferente a una persona normal.

El problema de la sociedad actual es que lo mesclan como una polémica que el que se tatúa ya es un delincuente y fue así como a Henry lo tacharon ya que cuando el regreso al país llego con tatuajes en sus piernas lo veían con miedo también por la forma de vestir.

El tatuaje es una herida muy superficial hay que cuidarlo muy bien por la salud. Existe un tabu del que si te tatúas ya no puedes donar sangre pues este tabu es una realidad pero depende de la tita que se utiliza.

Henry tiene un lema muy original “Nuevo artista, siempre conservando la calidad y la experiencia en el tatuaje, para ofrecer lo mejor en arte, salud, y un trabajo garantizado... No dejes tu cuerpo en manos de aficionados puedes poner tu piel en riesgo.”

El tatuaje antiguo tiene mucho en común con el tatuaje actual, este arte está aceptado, formando parte de la vida de muchas personas y podríamos decir que ocupando espacios cada vez mayores en la sociedad.

EL ARTE DEL GARFFITIS

El arte del graffiti se extiende en el análisis de los elementos léxicos y visuales que lo definen. Pero como todo arte, no se adhiere únicamente a estos aspectos. A pesar de presentarse como palabras, letras o dibujos, el espectador nunca podrá ver estas exclusivamente como tales. El graffiti es más que una experiencia visual, es también una experiencia temporal y espacial.

Los primeros huellas de graffiti en el salvador surgieron en los años de 1994 con las primeras firmas del ariano que pertenecía al crew ASK art stret King o en español reyes del arte callejero luego surgieron otros crew como lo ciak colors in acction kings o en español reyes del color en acción kfc Klan Fucking Crimes Flk Fuck Limit King en su principios el grafiti en el salvador era mal visto lo relacionaban con la delincuencia.

De 1994 asta la fecha el graffiti a tenido una evolución enorme que ha llevado que al artista urbano plasme su expresión artística en una pared para que todos podamos apreciarla por eso se cataloga Arte Urbano “las paredes solas no dicen nada” una frase que el graffitero la tiene presente para poder darle vida con una pieza a una pared su evolución asido tanto técnica como en sus materiales ya sea caps, spray ,mezcladores en fin una serie de productos que permiten hacer el trazo mejor o cubrir más rápido una pieza. El graffiti ya no tanto es ilegal si no que hoy en dan más permisos para hacer grafiti legal ósea sin tener el temor que llegue la policía a decomisar pintura pero tenemos siempre graffiteros que se quedan mejor él lo ilegal buscando el lugar más vistoso, complicado, y arriesgados para dejar plasmado su pieza, algo curioso en el grafiti principalmente en el tag es que acá no importa la ortografía su tag lo escribe como a usted más le gusta.

El graffiti en el salvador es considerado como un arte en la actualidad Hay muchos jóvenes en el salvador de diferentes edades que se dedican a pintar sus ideas en dibujos creativos. Como es el caso de Astul Bermúdez originario del departamento de Usulután y quien pertenece a un grupo llamado WHD(writhers in high definition) en español significa “Escritores en alta definición”.

Astul considera este arte como una forma de vida donde el expresa sus ideas y emociones a través de letras de un estilo propio y muchas veces inentendible por los demás pero teniendo un significado para el así muestra que el arte es parte de la cultura.

Desde que estaba en la secundaria le fue gustando este arte por ver a sus amigos como hacían grafitis y ver el tipo de caligrafía que utilizaban pues posteriormente fue aprendiendo aunque los primero graffitis no le salían muy bien, pero como la practica ase al maestro lo logro, ahora ya tiene 4 años de dedicarse al graffiti a sido muy importante porque lo ha llevado hasta obtener premios por el arte que plasma.

Aunque la sociedad lo ven como parte de vandalismo por el mismo dilema de que pintan las paredes sin permiso luciéndolo con letras no entendibles y por eso piensan que es alusivo a las pandillas, en ocasiones también dependiendo del aspecto si es legal o ilegal.

Según Bermúdez el graffitero ilegal solo destruye manchando paredes sin permiso muchas veces en la noche pero no lo hacen por molestar a las persona si no por la adrenalina que siente ellos al hacerlo y es de tener valor porque la policía si te mira puede llevarte detenido por daños a propiedad privada. En cambio lo legal es mejor por saber de qué no tendrás problemas y eso sucede a quien en Usulután porque por parte del Alcalde Municipal Paco Meardi nos está apoyando en diversos aspectos y nos da permiso de hacer graffitis.

Y es que hace un mes prácticamente para los festejos patronales la alcaldía municipal organizó un evento para la juventud con el lema “FIESTA, JUVENTUD, PAZ” participaron alrededor de 20 chavos de Usulután y sus alrededores donde la municipalidad se encargó de brindarles todos los materiales así dando a conocer los premios que obtendrían fue así como los jóvenes mostraron sus habilidades e ideas en el arte del graffitis. Fue así como Bermúdez gano un segundo lugar sintiéndose muy orgulloso por lo que hizo y logro.

Muchos de los jóvenes que se dedican al graffiti en el país ven la vida positiva y tratan de llevar esa motivación a las diferentes paredes como una forma de olvidarse de los problemas a los que ellos enfrentan día con día son jovenes que estudian trabajan y dedican parte de su tiempo al arte del graffiti.

LAS VANGUARDIAS DEL ARTE

El vanguardismo es la tendencia, en una obra de arte cualquiera, o de un artista, a introducir elementos innovadores respecto de las formas tradicionales o convencionales. También se entiende como excesiva preocupación por desplegar recursos que quiebren o distorsionen los sistemas más aceptados de representación o expresión, en teatro, pintura, literatura, cine, etc. Aunque solía usarse, de manera eventual y frecuente, en forma peyorativa, refiere claramente a la designacion de movimientos artísticos renovadores, y en general dogmáticos, que se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX y que son agrupados bajo los nombres genéricos de vanguardia o vanguardias. Las vanguardias tuvieron auge principalmente en Europa, extendiendose luego al resto del mundo, principalmente América del Norte, Centroamérica y América del Sur.

Eso se puede mostrar en la película Pink Floyd - The Wall ya formo una combinación de las vanguardias y fue un gran movimiento del arte trascendiendo una forma diferente y muy llamativa de la historia.

Son muchos quienes señalan que “The Wall” no es el mejor trabajo en la carrera de Pink Floyd. Concuerdo. Pero hay algo extra, algo más, que no vemos ni sentimos a primeras, que hace de este álbum doble un hito, una especie de obligación, omnipresente en la cultura occidental de fines del siglo pasado, y que da la impresión de que ni el propio creador puede saber bien qué es. “The Wall” se sigue apareciendo en nuestros caminos, irremediablemente.

La historia misma de “The Wall” es archiconocida. El protagonista es un rockstar de infancia difícil, con ausencia del padre, cuya fama lo lleva a comportamientos que ni él mismo imaginó, los cuales los separan del mundo real y lo llevan a la construcción de esta metafórica pared que lo aísla de todo contacto humano. Dentro de su propia locura, llega a una extraña vida de fantasía nazi, y dentro de ese mismo marco, pasando por algunos eventos algo grotescos, concluye su desventura con un juicio interno después del cual el personaje derrumba esta pared y vuelve al mundo real.

Nadie puede ser tan pretencioso tampoco, como para pretender explicar y dar la última palabra de este, uno de los discos dobles más grandiosos (y aquí si que vale ese término) de todos los tiempos. Esta historia se sigue escribiendo, y en cierto modo, todos nos negamos a ver la pared derrumbarse. Todos queremos alcanzar a ponerle un ladrillo más.

Así hablamos de la influencia que tuvieron las vanguardias artísticas en la elaboración de una identidad, de una caratula, una imagen de la música. También hay que destacar la importancia de las letras, puesto que The wall es una obra completa que trata, de forma polémica pero muy poética, diversos temas de interés social, como el maltrato psicológico infantil, la educación como freno para la creatividad, el aislamiento social (el muro aislando al individuo), el peso de la fama y la vida inestable de una estrella de rock, o incluso el psicoanálisis, a través de la historia de Pink.

En la actualidad como lo decía antes esta historia aún se sigue escribiendo por las diferentes etapas que pasamos en nuestras vida teniendo en claro que por un mal paso que demos podemos caernos y no volvernos a levantar y es ahí cuando la imaginación forma diferentes escenas de tu vida que aún no han pasado haces que pasen; las vanguardias artísticas son cada vez más vistas aunque no todos las pueden entender.

LO BELLO Y FEO

La definición de los bello y lo feo es uno de los objetivos finales de la estética define que sirve para ordenar los conocimiento acumulados y partiendo de alla

La clave de esta esto es muy sencilla. A lo largo de los siglos el concepto de belleza, que ha dominado el arte y la estética, ha dejado de ser prioritario. Cuando hablamos de lo feo nos referimos a lo contrario de lo bello, no como feo igual a...., sino como negación de lo bello, como oposición lo bello y su negación.

Sus relaciones a lo largo de la historia: El concepto de belleza contiene el concepto de fealdad, en paralelo le acompaña lo contrario, que ha quedado fuera y eso que quedaba fuera es lo que ha ido cambiando.

Pudiéramos pensar, por poner un ejemplo, en el retrato de la Gioconda de Leonardo da Vinci, habitualmente considerada la obra más importante de la pintura de todos los tiempos. Según los cánones estandarizados de belleza actuales, no todos calificarían como hermosa a la mujer que Leonardo pinta, pero si nos paramos un momento ante el cuadro enseguida sentimos que nos produce un gran placer su contemplación, o mejor dicho, pasado el primer momento, ese objeto que está delante de nosotros nos abre expectativas, nos inquieta, encontramos en él cierta inagotabilidad, podríamos estar contemplándolo tiempo y tiempo, mirarlo una y otra vez, porque en cada mirada estamos encontrando algo nuevo.

Pero según jeronimo Para que exista lo fantástico en el artista es necesario que haya una ruptura con lo real, una intensa participación en otro mundo, pero, la identificación del artista con ese mundo debe ser absoluta; y transmitida al espectador de manera inmediata; tal como sucede en el Bosco. Su universo fantástico, tiene su soporte esencial en la metamorfosis: la alianza íntima del hombre, el animal, el vegetal e incluso del objeto inanimado. Abundan ejemplos de esos seres, más o menos híbridos en la belleza como en la fealdad.

A lo largo de los siglos, filósofos y artistas han ido propiciando definiciones se ha podido reconstruir una historia de las ideas estéticas a través de los tiempos. No ha ocurrido lo mismo con lo feo, que casi siempre se ha definido por oposición a lo bello y a lo que casi nunca se han dedicado estudios extensos, sino más bien alusiones parentéticas y marginales. Por ende, la historia de toda la belleza se puede valer con una extensa cantidad de testimonios teóricos, la historia de la fealdad por lo general se debería ir buscando en documentos de reparticiones visuales o verbales de varias cosas o personas que son considerada de algún modo ”Feas”.

De esta manera y por consiguiente la historia de la fealdad tiene algunos rasgos en común con la historia de la belleza. ante todo solo se puede supone que todos los gustos de cada persona tienen corrientes que corresponden con los gustos de los artistas de alguna época. En nuestra realidad lo hombres de nuestro tiempo son considerados como bellos y deseables a las criaturas femeninas con un rostro similar en el que el receptor por el pintor.La definición de los bello y lo feo es uno de los objetivos finales de la estética define que sirve para ordenar los conocimiento acumulados y partiendo de alla.

La clave de esta esto es muy sencilla. A lo largo de los siglos el concepto de belleza, que ha dominado el arte y la estética, ha dejado de ser prioritario. Cuando hablamos de lo feo nos referimos a lo contrario de lo bello, no como feo igual a...., sino como negación de lo bello, como oposición lo bello y su negación.

Sus relaciones a lo largo de la historia: El concepto de belleza contiene el concepto de fealdad, en paralelo le acompaña lo contrario, que ha quedado fuera y eso que quedaba fuera es lo que ha ido cambiando.

Pudiéramos pensar, por poner un ejemplo, en el retrato de la Gioconda de Leonardo da Vinci, habitualmente considerada la obra más importante de la pintura de todos los tiempos. Según los cánones estandarizados de belleza actuales, no todos calificarían como hermosa a la mujer que Leonardo pinta, pero si nos paramos un momento ante el cuadro enseguida sentimos que nos produce un gran placer su contemplación, o mejor dicho, pasado el primer momento, ese objeto que está delante de nosotros nos abre expectativas, nos inquieta, encontramos en él cierta inagotabilidad, podríamos estar contemplándolo tiempo y tiempo, mirarlo una y otra vez, porque en cada mirada estamos encontrando algo nuevo.

Pero según jeronimo Para que exista lo fantástico en el artista es necesario que haya una ruptura con lo real, una intensa participación en otro mundo, pero, la identificación del artista con ese mundo debe ser absoluta; y transmitida al espectador de manera inmediata; tal como sucede en el Bosco. Su universo fantástico, tiene su soporte esencial en la metamorfosis: la alianza íntima del hombre, el animal, el vegetal e incluso del objeto inanimado. Abundan ejemplos de esos seres, más o menos híbridos en la belleza como en la fealdad.

A lo largo de los siglos, filósofos y artistas han ido propiciando definiciones se ha podido reconstruir una historia de las ideas estéticas a través de los tiempos. No ha ocurrido lo mismo con lo feo, que casi siempre se ha definido por oposición a lo bello y a lo que casi nunca se han dedicado estudios extensos, sino más bien alusiones parentéticas y marginales. Por ende, la historia de toda la belleza se puede valer con una extensa cantidad de testimonios teóricos, la historia de la fealdad por lo general se debería ir buscando en documentos de reparticiones visuales o verbales de varias cosas o personas que son considerada de algún modo ”Feas”.

De esta manera y por consiguiente la historia de la fealdad tiene algunos rasgos en común con la historia de la belleza. ante todo solo se puede supone que todos los gustos de cada persona tienen corrientes que corresponden con los gustos de los artistas de alguna época. En nuestra realidad lo hombres de nuestro tiempo son considerados como bellos y deseables a las criaturas femeninas con un rostro similar en el que el receptor por el pintor.

LA BELLEZA DESDE EL RENACIMIENTO ASTA LA ACTUALIDAD

Si nos devolvemos un poco en el tiempo cuando la estética requeria condiciones básicas para su desarrollo como la autonomía del arte y la definición del artista como creador de formas bellas podemos entender algunos artistas como Leonardo da vinci.

Dentro de los contextos existe una variedad de simbología escribió un pequeño tratado sobre “El canon de las proporciones Humana” ilustrandolo con “El Hombre de Vitruvio”. Y describe como puede ser un hombre perfecto.

Sin duda alguna los cánones de belleza que nos han impuesto a través de la historia van en secuencia con la época y la cultura. Tampoco podemos negar la visión de algunos artistas como fue Leonardo Da Vinci quien podemos observar que el icono de la mujer se distingue en la mayoría de sus obras, la más recordada y que ha tenido polémica por su sonrisa asimétrica y no tan feliz “La Mona Lisa” de la cual se dice que es un autorretrato del artista, dando su versión femenina. Así como también en la última cena que muestra los diferentes personajes de una forma provocativas y controversial por la misma forma en como fueron dibujados mostrando una belleza natural simbolica.

Con respecto a la belleza en Miguel Ángel, éste no tiene ningún canon, para él, lo bello como forma única e inmutable no existe, esto se refleja en la obra del Juicio Final que de más de trescientas figuras todas son diferentes. Considera que la belleza está en el objeto, por tanto defiende que la belleza es objetiva, tal y como escribe en el primer soneto trascrito a este trabajo. Dice que el escultor tan solo se encarga de sacar a la luz lo que se encuentra en la materia.

El concepto de belleza ha ido cambiando a lo largo de la historia, siendo el interés femenino hacia esta el principal objetivo de las modas.

Bajo mi punto de vista, la belleza es todo aquello agradable y espectacular a la vista. Es totalmente subjetiva, aunque es cierto, que la sociedad actual, tiene unos cánones marcados que coaccionan a las personas a pensar que esa es la belleza ( con respecto a las personas, no a las cosas): chicas altas, delgadas... y chicos altos, con una musculatura pronunciada

El estándar de belleza propuesta para las mujeres en la actualidad, se limita a la mujer muy alta, flaca y poco proporcionada; es decir de senos y glúteos pequeños, piernas delgadas y con pocas curvas. Esta tendencia viene de la modelo anglosajona, que es la que posee estas características.

Aunque la modelo latina sea exuberante, en los países donde esta se encuentra, se pretenderá copiar a la modelo anglosajona, lo que hace que muchas mujeres deseen adaptar este estilo a sus vidas.

Es entonces como hay que recaer en la importancia del ser humano en esta nueva época, trayéndole belleza mediante el habitar en una luz construida para el hombre.

El Renacimiento intenta olvidar el utilitarismo artístico del pasado. Movidos por un deseo de belleza ideal

En el aspecto de que la belleza como forma única no existe ya que si no, todo lo bello sería muy parecido y creo que precisamente en la diversidad está la belleza; pero con respecto a la objetividad no, para mí es todo lo contrario.

.El renacimiento se corresponde en la historia del arte con la era de los grandes descubrimientos, impulsados principalmente por el deseo de examinar todos los aspectos de la naturaleza y del mundo.

LOS GENIOS ARTÍSTICO DEL RENACIMIENTO

Dentro del renacimiento los principales artistas mayores: Leonardo (1452-1519), Rafael (1483-1520) Miguel Ángel (1475-1564) y Donatello. De a495 a 1520 es el periodo del clasicismo italiano, es la cúspide y los genios en esa época muestran todo lo que se debía mostrar. Es el ideal.

El Renacimiento es la consecuencia de un interés por el pasado grecorromano, con el cual se buscaba volver a dar vida a los ideales que habían inspirado a aquellos pueblos. De este movimiento surgieron grandes figuras:

Leonardo Da Vinci: Es el ideal de artista integral renacentista, aunque Miguel Ángel es más perfecto. Es él más especializado de los tres. En la pintura va a ser Rafael, aunque es su última etapa victoria va a dejarse influenciar por la violencia de Miguel Ángel.

Leonardo representa el ideal de hombre sabio y va a tener por eso una vida artística errante, será reclamado por diferentes mecenas. Nació en Vinci, un pueblo muy cercano a Florencia y en esta ciudad se educó. Empezó sus estudios de Bellas Artes en el taller de Verroquio y ya en 1482se presento al mecenas de Milán.

Era un excelente dibujante sobre todo a la hora de representar el movimiento, aunque el movimiento no e muy frecuente en la pintura de Leonardo. Perfecciono la técnica del esfumado (Sfumato), la cual se caracteriza por no darle limites precisos a las figuras, se diluyen los contornos para integrar a la figura en el paisaje o para representar rostros con sutiles expresiones. En su color se difuminan blancos y grises para difuminar así el resto de los colores y lograr así aspectos expresivos sutiles, por ejemplo su risa leonardesca, lo que da a la figura sensación de vida, poesía, de misterio. Era inquieto y de tal manera que a la mitad de la creación de sus obras cambiaba del tipo de pintura, probaba oleos más grasos, finos y acuosos, es así que la más célebre de sus pinturas: “la ultima cena”, en la cual utilizo una nueva pintura que la pared donde la pinto no asimilo, entonces a los pocos años se deterioró.

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), Hijo de Ludovico de Buonarroti Simoni. Fue escritor, arquitecto, pintor, poeta italiano. Vivió su juventud en Florencia y fue criado por una mujer de Settignano, esposa de un picapedrero. Diez o doce años después se aficiono a trabajar la piedra con el cincel. En Florencia fue discípulo de Ghirlandaio y de Bertoldo di Giovanni, fue una de las máximas figuras del Renacimiento. Aun joven vivió en la corte florentina de los Medici, y en 1505 fue llamado a Roma para realizar los frescos de la bóveda de la capilla Sextina, en la cual pinto “El juicio final” y otros frescos en la capilla Paulirey. Algunas de sus obras son “El David”, el busto de Bruto, “El moisés”. Pero consagro la última parte de su vida a la Arquitectura. Cuando realizaba sus obras en mármol, parecía que las liberaba de su pétrea prisión.

Rafael Sanzio fue una personalidad destacada del Renacimiento. Su obra pictórica es técnicamente muy elaborada; expresa la concepción del universo de la época en la cual habitaba: una jerarquía de lo bello y lo armónico de la época. Trabajo muchos años al lado del maestro Perusino y luego fue a Florencia Meca de los grandes artistas allí fue un apasionado de Leonardo. Algunas de sus obras son: “La escuela de Atenas”, “La Madona Sistina”, “El Parnaso”.Sandro Filipepi Botticelli.

Otros de los genios fue Donatello considerado por algunos teóricos como el principal escultor de la escuela florentina quattrocentista, Donatello (de verdadero nombre Donato di Niccolo di Betto Bardi) ha pasado a los anales de la historia del arte por su excepcionalidad como artífice, además de por la maestría que destilará a la hora de conciliar el más puro clasicismo con un dramatismo que, a finales de su vida, se tornará cercano incluso al feísmo

Y si el Renacimiento lleva implícito en su origen el reconocimiento de la importancia del hombre en el mundo, Donatello será el escultor que lo constante, siendo en su producción la forma de concebir la figura humana (estudiada, precisa, diversa y, en ocasiones, grandilocuente) siempre una sorpresa a descubrir.

Para conocer mejor de los genios artísticos se puede encontrar un libro del autor Claudio Merlo titulado Tres Gigantes del Renacimiento. Leonardo, Miguel Ángel y Rafael.

Es un libro bastante interesante, porque cuenta la vida de tres personas muy importantes y brillantes del Renacimiento y del mundo. Y pienso que todo el mundo tiene que tener constancia de estas personas, sobre todo porque hasta nuestro tiempo se conserva muchas de sus obras y se exhiben en los museos.

También me resulta interesante porque esta ilustradísimo y hay anécdotas interesantes.